Pigeon un jour, pigeon toujours. C’est en tout cas l’adage qui commence de plus en plus à coller aux basques des supporters d’éditions physiques. Editions que Flagstone défend avec grande ferveur.
Pendant que Christopher Nolan ne manque jamais une occasion souligner le fait que d’acheter un film en Blu-ray ou en UHD permet à la fois d’avoir une qualité d’image incomparable avec les plateformes de streaming (qui compressent à outrance les fichiers) et de posséder sur le long terme une œuvre (impossible d’avoir le chiffre exact des longs métrages qui disparaissent du jour au lendemain des sites de VOD, mais il est astronomique), le consommateur doit se rendre à l’évidence : il est devenu la dernière vache à lait du marché, parfois même à ses dépens.
Ainsi, l’afficionados de belles éditions voit apparaitre sur le marché, de manière de plus en plus systémique et rapprochée, de nouvelles éditions à ses films préférés. Le phénomène étant encore renchéri quand une œuvre se voir déclinée via différentes versions et/ou montages.
Le cas de Kill Bill sur territoire francophone européen est le parfait exemple de ce constat. Ainsi, tandis que Studiocanal sortait fin de l’année dernière les deux volumes du long métrage de Quentin Tarantino en 4K, la version originelle du métrage, proposée en un seul film, pointait déjà le bout de son nez aux Etats-Unis.
Affublée du sobriquet The Whole Bloody Affair, ce montage propose l’œuvre complète non plus scindée en deux parties (exigence de Miramax à l’époque de la production du film, qui craignait qu’un film de quatre heures rebute à la fois les spectateurs et les exploitants de salles), mais proposé d’une traite.
L’idée de ne pas acquérir les deux films séparés en UHD semblait donc la bonne parade afin de ne pas passer deux fois à la caisse et de découvrir ce « nouveau montage ». D’autant plus lorsqu’on apprit que Studiocanal avait réussi – on se demande bien comment ce genre de bévue peut encore arriver en 2026 – à affubler ses galettes de 2025 non pas de la VF, mais du doublage québécois des films !
Déboulé il y a quelques jours dans les bacs, cette soi-disant « version originale » de Kill Bill a donc illico atterri dans mon lecteur ce week-end, et le moins que l’on puisse dire, c’est que les mauvaises surprises sont au rendez-vous.
Cette version fleuve étant séparée par un entracte (« Intermission » dans le langage de Shakespeare), le film reste donc, en quelque sorte, coupé en deux (qui plus est exactement au même endroit). Alors oui, il n’y a plus de résumé en début de deuxième partie ni de cliffanger en fin de première (vendant au passage beaucoup trop la mèche), oui les scènes de combats de la pagode sont en couleurs et oui, la partie animée est plus longue. Cela rend-il le film meilleur ?
Au final, pas tellement. Outre le fait de sentir une forme d’unité non négligeable, façon épique, le reste n’apporte strictement rien. Pire : il ralentit artificiellement une œuvre déjà passablement longue. On passera au passage sur le générique de fin du film, d’une durée de 19 minutes (même Le Seigneur des Anneaux n’a pas réussi à faire pire), gonflant artificiellement la longueur indiquée.
Le clou de l’imposture concernant ce non-événement réside dans la qualité d’image, laissant penser à l’utilisation d’un master HD datant de la préhistoire. En regardant la chose de plus près, il apparait qu’effectivement, le montage de The Whole Bloody Affair a été réalisé à partir d’un scan intermédiaire 2K (« DI » dans le jargon), gonflé ensuite en 4.
Kill Bill en UHD, que ce soit pour les éditions séparées sorties en décembre dernier ou la présente, n’ont donc aucunement été réalisées à partir d’une véritable restauration 4K du négatif original, mais depuis un scan numérique 2K dont le seul bénéfice réside dans l’apport des technologies HDR et/ou Dolby Vision (à condition bien-sûr d’adouber ces artifices).
Ajoutez à cela une utilisation abusive du DNR (Digital Noise Reduction), réduisant sensiblement le piqué de l’image et le grain naturel de l’argentique et vous comprendrez vite que, si The Whole Bloody Affair ne relève pas de l’arnaque pure et simple, il s’agit a minima d’une tromperie sur marchandise notoire.
Tout ceci sans mettre dans la balance la qualité artistique toute discutable de Kill Bill qui, s’il nous avait bluffé il y a 20 ans par son côté clinquant, n’est en toute objectivité par le meilleur film de Tarantino. Loin de là même…
Où voir le film ?
Kill Bill – The Whole Bloody Affair est disponible chez Studiocanal en édition UHD + Blu-ray (édition simple ou coffret onéreux incluant quelques goodies parfaitement inutiles), ainsi qu’en version Blu-ray. Au vu de la qualité d’image de cette « restauration », la version HD simple est, là aussi en toute objectivité, largement suffisante.
Voilà un ouvrage qui sait vendre du rêve, tant le sujet résulte du fantasme de nombreux cinéphiles (forcément) fans de thrillers hitchcockiens. Le préambule du livre défini d’ailleurs, de manière très claire et précise, les critères pour qu’un long métrage puisse être apparenté à ce sous-genre.
Aficionado de l’œuvre de Hitch devant l’Évangile ayant déjà publié deux ouvrages pointus (un sur Psychose, l’autre à propos de L’inconnu du Nord Express), Stephen Rebello semblait l’homme de la situation. Pointilleux jusqu’au-boutiste, l’auteur britannique expose très clairement dans la longue introduction de Hitchcockian Thrillers les conditions sine qua non à remplir afin d’obtenir le prestigieux label.
« Pas de lauriers pour les tueurs » de Mark Robson (1963)
Exit ici les whodonit, Alfred Hitchcock ayant toujours affirmé ne pas adhérer au principe d’une révélation tardive au profit d’une tension permanente. Idem pour les parodies, quand bien même celle-ci aurait été adoubée par le maitre du suspense (Le grand frisson de Mel Brooks), les remakes et les œuvres faisant appel au surnaturel.
Si les contraintes se justifient, si le long explicatif à propos de fameuses conditions requises exigées tient clairement la route, le verdict à propos de ce Hitchckockian Thrillers est pourtant en demi-teinte.
« Mirage » d’Edward Dmytryk (1965)
Tandis que les références évidentes sont bel et bien présentes ici, si une grosse poignée de métrages à côté desquels nous sommes inévitablement passés nous donne immédiatement envie de les visionner, malgré le fait que chaque entrée est nantie de son MacGoffin, le reste des références laissera le lecteur quelque peu dubitatif.
Entre films à côté de la plaque (Mission : Impossible 2, La sirène du Mississipi, Phantom Thread), nanars intersidéraux (La fille du train, Troubles, The Tourist), oublis évidents (La fièvre au corps,Transamerica Express, Fenêtre sur Pacifique), l’absence totale de « mini-Hitchcock » de la Hammer, de Krimis et autres Giallos (deux genres dont les fondements mêmes sont pourtant bien hitchcockiens), on est un peu perdu dans cette fête à la saucisse guère homogène.
« Un frisson dans la nuit » de Clint Eastwood (1971)
A contrario, soulignons la volonté de Stephen Rebello de ne jamais se laisser guider dans ses choix, arguments à l’appui. Mentionnons également, en manquement très frustrant, l’absence de fiches techniques des films incriminés, obligeant le lecteur à garder un site spécialisé en permanence sous le coude, ne serait-ce que pour connaitre le nom des comédiens ou du réalisateur. Le véritable bouquin sur le sujet reste donc à faire.
Stephen Rebello « Hitchockian Thrillers » (Blumsbury, 308 pages)
Une petite ville des Etats-Unis est le théâtre de décès étranges. Les services sanitaires envoient sur place Mike Brady, un de leurs agents, afin d’épauler le shérif local. Ce qui ne devait être qu’une enquête de routine tourne au cauchemar, les victimes ayant été partiellement dévorées. Au vu des analyses, Brady émet une hypothèse jugée farfelue : les victimes auraient été tuées par des limaces mangeuses de chair humaine…
Le nom de Juan Piquer Simon est en premier lieu associé au film Le sadique à la tronçonneuse, nanar intersidéral dont nous avions parlé avec consternation sur Flagstone, tant le métrage est une cacastrophe (oui : c’est fait exprès). Aucune raison apparente donc pour que Slugs, que le réalisateur ibérique commet 6 ans plus tard, soit meilleur. Et pourtant.
Totalement décomplexé sans pour autant tirer sur la corde au point qu’elle ne cède, Juan Piquer Simon calque son film sur maintes productions US comparables. Le tout agrémenté d’une bonne dose de second degré, histoire que le spectateur saisisse en un quart de seconde que tout ceci n’est que du cinéma bis.
Qui dit bis, dit forcément flics à la ramasse, jolies filles dénudées qui hurlent, gamins insupportables qu’on aimerait bien voir se faire dézinguer et bestioles visqueuses dégoutantes. Au rayon de la « liste de courses », Mutations fait un sang faute (oui, là aussi, c’est fait exprès).
Basé sur un roman de Shaun Hutson, auteur britannique de genre très prolifique que l’on pouvait retrouver au milieu des années 1980 dans la collection « Gore » du Fleuve Noir chère à notre camarade David Didelot, Slugs est donc le film du samedi en deuxième partie de soirée par excellence.
Shaun Hutson avait d’ailleurs donné une suite à son roman à peine une année après le premier. Donc avant la production du film de Piquer Simon. Cette séquelle, arquée sur le même principe mais au cœur d’une grande ville et dans une atmosphère plus glauque, aurait d’ailleurs pu donner une excellente adaptation cinématographique si, de bonne fortune, un studio de cinéma s’y était intéressé.
Enfin, détail à la fois curieux et amusant, on remarquera que le thème musical principal du film est le même que celui de l’inénarrable Amazon Women on the Moon (Cheeseburger Film Sandwich en français). La partition de Slugs est signée par le britannique Tim Souster (Personnel et confidentiel), tandis que celle de la jubilatoire parodie, sortie une année avant, est estampillée Ira Newborn (Un ticket pour deux, La folle journée de Ferris Bueller). Et pourtant, la BO est rigoureusement identique dans les deux cas. Alors, qui pompe qui ?
Où voir le film ?
Mutations est disponible dans la collection « Angoisses » de l’éditeur Rimini (Combo digipack Blu-ray + DVD + Livret)
Attention toutefois de ne faire la confusions avec le film Mutations de Jack Cardiff, réalisé en 1974 et également disponible dans le collection « Angoisses » de chez Rimini.
Un homme blessé, portant un masque d’Halloween à la main, est amené aux urgences après s’être effondré dans une station-service. Quelques heures plus tard, il est assassiné dans son lit d’hôpital. Intrigué, le docteur Challis (Tom Atkins), qui s’occupait du patient lors de son admission à la clinique, va tenter de remonter le jeu de piste afin d’élucider son assassinat…
Après le succès de Halloween II (1981), John Carpenter et Debra Hill sont approchés pour embrayer une nouvelle suite. Le réalisateur et sa productrice pensant à juste titre avoir fait le tour de la question Michael Myers, le tandem propose aux producteurs exécutif Mustapha Akkad, initiateur de la franchise, et Dino De Laurentiis, impliqué pour deux séquelles, de se distancer du tueur masqué.
Leur idée est simple : proposer un nouvel Halloween chaque année pour la fin octobre, mais avec des histoires totalement indépendantes. A la manière de La quatrième dimension, John Carpenter et Debra Hill envisagent donc une série de films anthologiques, permettant à différents auteurs de proposer leur propre déclinaison sur le thème de la fête païenne.
John Carpenter approche donc Nigel Kneale, auteur anglais créateur du personnage de Bernard Quatermass, ayant déjà donné naissance à quatre excellentes séries TV et trois longs métrages produits par la Hammer. L’homme semble en effet la personne idéale pour insuffler du sang neuf dans la franchise, mais également celui capable de se distancer du slasher pur.
Plus proche de l’intrigue de conspiration que d’une œuvre faisant appel aux effets visuels horrifiques, le script de Halloween III est rejeté par De Laurentiis : le producteur italien trouve l’histoire un brin trop gentillette. Exit donc Kneale, qui refusera que son nom apparaisse au générique. Malgré les modifications apportées au script par le réalisateur Tommy Lee Wallace, l’essence même de l’intrigue de ce Sang du sorcier restent clairement imputables à l’auteur anglais, l’aspect paranoïaque demeurant l’axe principal sur lequel repose le métrage.
Echec commercial cuisant lors de sa sortie, Halloween III continue, 40 ans après sa sortie, de se coltiner une mauvaise réputation alors qu’il s’agissait là de la plus clairvoyante idée concernant l’évolution de la franchise. Michael Myers fera donc son retour dès le navrant quatrième opus. Il continuera d’ailleurs à sévir à travers une dizaine d’autres longs métrages, tous plus dispensables les uns que les autres…
Film à redécouvrir urgemment pour tout amateur d’œuvres conspiratoire faisant appel au fantastique, telles que Les rescapés du futur de Richard T. Heffron ou Morts suspectes de Michael Crichton, Le sang du sorcier aura peut-être un jour droit à l’estime qu’il mérite : celle d’un petit ouvrage malin et audacieux, qui aurait peut-être connu une meilleure destinée si séparé dès le départ de la franchise Halloween…
Texte extrait du livre « Le film de minuit – 1984-1994 : une décennie de séances culte »
Où voir le film ?
Halloween III est sorti il y a quelques temps chez l’éditeur Le Chat qui fume. Le titre est épuisé chez l’éditeur mais se trouve encore, en cherchant bien, sur des sites de revente.
En import, Le sang du sorcier est disponible chez Universal (VOst uniquement), ainsi que chez Shout ! Factory (UHD et Blu-ray) via différentes éditions collector, mais sans options françaises.
1916, dans un petit village portuaire irlandais. Rose (Sarah Miles), la fille du patron du pub, est attirée par Charles Shaughnessy (Robert Mitchum), le maître d’école du village, veuf et son aîné de quinze ans, qu’elle épouse. Mais rapidement, la jeune fille déchante.
Malgré l’attention qu’il porte à Rose, Charles ne comble pas le vide abyssal que ressent la jeune femme. La rencontre avec Randolph Doryan (Christopher Jones), major de l’armée britannique blessé sur le front allemand venu prendre le commandement du camp anglais voisin, va précipiter le destin de Rose…
L’histoire du cinéma est jalonnée d’une micro-catégorie de bides commerciaux retentissants, dont le « scénario » est toujours le même. A savoir d’être les œuvres d’un réalisateur prestigieux venant de tourner un long métrage au retentissement tel qu’un gros studio hollywoodien, généralement pourtant prudent, accepte d’ouvrir à fond les vannes de la bourse.
William Friedkin disait à ce propos qu’après L’exorciste, il aurait pu proposer à n’importe quelle major hollywoodienne de sortir en salle un film consacré à la bar-mitsva de son petit neveu sans que personne n’ose s’y opposer. Il choisira de tourner Sorcerer, nouvelle adaptation du Salaire de la peur, qui s’avérera à l’époque un naufrage commercial sans précédent. 50 ans plus tard, tout le monde s’accorder à dire que ce film-là est une œuvre essentielle.
Si le cas de Sorcerer est évidemment une exception, il est assez facile d’en trouver d’autres. De La porte du Paradis de Michael Cimino, western crépusculaire et pharaonique ayant conduit le studio United Artists à sa faillite, au tout récent désastre financier qui accompagne Digger d’Alejandro González Iñárritu, fort est de constater que ces films-là ont toujours droit à une réévaluation tardive, démontrant une fois encore que le temps est assurément le meilleur des juges.
Sans avoir été un flop au box-office, La fille de Ryan de David Lean scellera malgré tout le destin du réalisateur de Lawrence d’Arabie qui, épuisé par les innombrables péripéties de tournage, mettra sa carrière entre parenthèse durant 15 ans (avant de revenir pour La route des Indes, son ultime long métrage).
Entre retard du tournage pour causes aussi diverses qu’ubuesques (Robert Mitchum incapable de tourner pendant 6 semaines après s’être fait péter la gueule par un irlandais du patelin, Christopher Jones, visiblement aussi perturbé que son personnage, qui fait des siennes en refusant de tourner la scène d’amour cruciale du film, pellicule bousillée par le labo durant son développement obligeant le réalisateur à retourner des séquences entières), David Lean devra également faire face à la météo capricieuse mettant à mal son sens aigu du détail.
Là où Le pont de la rivière Kwaï, Lawrence d’Arabie et Docteur Jivago sont devenus des classiques immédiat, La fille de Ryan sera oublié passé son exploitation mitigé et une presse moins enthousiaste qu’à l’accoutumée avec Lean. Beaucoup y sont allés de tentatives d’explication quant à l’oubli de la mémoire collective du film, sans jamais trouver de réelle cause autre que celle d’un scénario original, là où les trois précédents films de réalisateur britannique trouvaient leur source dans l’histoire et la littérature.
En (re)découvrant La fille de Ryan aujourd’hui, il semble pourtant évident que ce semi-échec, ou du moins la non-perdurabilité du film, tiennent en deux points. Tout d’abord parce que David Lean et son scénariste Robert Bolt livrait une œuvre très longue bien que peu bavard, où les reliefs multiples des personnages froids juxtaposent à chaque instant la fausse simplicité d’une histoire. Ensuite car Lean n’aura jamais autant qu’ici mis d’efforts à rendre esthétiquement, grâce à l’appui du directeur de la photographie Freddie Jones, un de ces film splendides.
Lean et Bolt ne se sont jamais cachés d’avoir cherché ici à transposer l’histoire de Madame Bovary dans un contexte historique différent. Contexte qui, bien que présent et très juste par rapport aux faits, est ici plus une nuance qu’un véritable élément de construction scénaristique.
Gustave Flaubert aura mis cinq ans pour achever son chef afin d’être certain que chaque mot soit, selon ses critères, juste et à sa place. Il est clair que Lean aura mis au moins autant d’effort dans la mise en scène de La fille de Ryan tant chaque plan, chaque image, à sa raison d’être et est à la juste place. Un chef d’œuvre, sans doute.
Où voir le film ?
La non-popularité de La fille de Ryan aura pour conséquence que le film ne connaisse aucune édition Blu-ray. Nous passons donc directement d’un vieux DVD à la 4K. Si le choc est évident, on ne pourra que souligner une nouvelle fois la qualité du travail de restauration de Warner Archive, qui livre ici sans doute la plus flamboyante restauration entreprise par le studio jusqu’ici.
Alors oui : il faut impérativement pouvoir voir La fille de Ryan sur un écran commack afin d’en apprécier chaque détail. Comme ce somptueux plan d’ouverture, où l’on devine à peine Rose au sommet d’une falaise (qui renverrait presque celui de Lawrence d’Arabie, pourtant considéré comme le meilleur de l’histoire du cinéma, au rang de quelconque). S’il ne devait y avoir qu’un seul film comme preuve de l’essentialité du support physique, ce serait sans conteste celui-ci. Majestueux.
Oui, encore une fois, je l’avoue. Depuis ma découverte au début des années 1990 de Strip Tease, le magazine belge qui déshabille la société, je me suis pris de passion pour la mise en lumière de losers superbes.
Sans doute, dans un premier temps, dans un but thérapeutique inavoué, qui me permettait de voir le quotidien de gens encore plus pathétiques que le mien. Donc bien avant d’admettre que, souvent, le vrai toquard n’est évidemment pas celui qui apparait à l’écran, mais bel et bien le couillon qui se poile grassement devant sa petite lucarne.
Ma passion pour le « vrai » m’a fait franchir un cap supplémentaire, le jour où je suis tombé sur une VHS de caméscope abandonnée chez Emmaüs. Ô bonheur suprême que d’entrer dans la vraie vie de vrais gens, habitant à quelques encablures de chez moi. Au point même d’avoir mené, tel un Sherlock Holmes de Temu, une solide enquête afin de retrouver des personnes dont je connaissais déjà le quotidien à travers mon tube cathodique.
Stéphanie Night Fever
Et puis vint le jour béni où, avouant sans mal ma passion voyeuriste à une vague connaissance professionnelle, j’appris l’existence d’Un samedi soir en province, documentaire de 52 minutes produit en 1995 par France télévisions, jamais rediffusé depuis. « Quoi ? Tu connais pas le concept de la barrière anti-fans instaurée par le meilleur DJ de la Chartre ? » qu’il me lance, le collègue.
Il n’en fallait évidemment pas plus pour motiver l’enclume que je suis à me mettre en quête dudit doc. Et je dois avouer que, 30 ans après, je n’en suis toujours pas revenu, tant tout ce qui avait défilé devant mes yeux, et ce malgré la qualité plus que médiocre du seul fichier déniché, était remarquable.
DJ Mathieu, Monsieur « barrière anti-fans »
Alors évidemment, DJ Mathieu, le branleur de la disco mobile Top Club (qui n’abuse pas, selon ses dires, de son statut de roi de la night pour conclure), nous expliquant que la compilation Danse Machine 5 est trop branchée pour que les bouseux du coin l’apprécient, ça envoie du lourd. Sans parler de son fameux concept de la « barrière anti-fans » (une pauvre échelle de peintre cramoisie) afin d’éviter, dixit, l’émeute derrière les platines.
Notre DJ en herbe n’est en réalité ici qu’un faire-valoir. Les vrais héros d’Un samedi soir en province s’appellent Stéphanie, Jérémie, Nadège, Valérie et Stéphane. Stéphane, ou Gazoil pour les intimes. C’est son nom de Cibiste, celui qu’il utilise dans sa R5 customisés à grand coup d’autocollants aux couleurs du Vibration, la nouvelle boite branchée du coin, et munie d’un klaxon personnalisé toujours à cracher son cri de guerre.
Entre CB et taxi, Gazoil sur les routes de l’Indre
Gazoil est conscient d’être une bonne pâte. Que ce soit avec sa copine Valérie, qui le prend un peu pour une bille, qu’à travers ces potes, qui le considère avant tout comme un taxi. Par chance, le samedi soir est là pour faire oublier au « père Gazoil », le temps de quelques heures, son quotidien guère inspirant dans un coin reculé de l’Hexagone.
Get Down Saturday Night et Je danse le Mia auraient pu être les titres emblématiques de la bande à Gazoil. DJ Mathieu en a malheureusement décidé autrement : ce sera La Danse des pompiers et Du soleil et des nana, surenchéri de la voix criarde de l’affreux jojo balancée à grands coups de réverb dans un micro, sans l’ombre d’un doute sa seule et unique vraie barrière anti-je-ne-sais-trop-quoi.
Nadège, Miss Vibration, avec l’amour de sa soirée
Il y a 15 jours, en revoyant pour le 35e fois Un samedi soir en province, je me suis demandé ce qu’était devenu ces jeunes qui ont aujourd’hui la même cinquantaine que moi. En opérant quelques recherches sommaires, je suis tombé sur une série de reportages du quotidien régional La Nouvelle République.
On y apprend, via les rares témoignages de personnes directement concernées (Olivier Vigneau alias Marco, jadis DJ au Vibration, Jean-Claude Rosia, patron du Top Club), que nos lascars vont bien, mais qu’ils ne souhaitent plus évoquer cette période de leur vie. Un peu comme si Un samedi soir en province avait un peu trop abîmé, à force d’éclats de rire gras, la sincérité de nos loustics.
Bien plus intelligents que ses détracteurs, la bande à Gazoil a décidé de nous faire un beau pied de nez par le silence. L’arroseur est arrosé en quelque sorte, et c’est bien fait pour lui. Bien fait pour moi donc.
le « Vibration », disco clinquante fixe et branchée
Où voir le doc ?
Une fois n’est pas coutume, le sujet du présent papier est visible sur un simple coup de clic. Est en effet apparu du Youtube, voilà 4 ans, une version « HD restaurée » d’Un samedi soir en province.
En réalité, il s’agit un transfert de la bande Betacam de la diffusion originale, un peu trop compressée certes, en SD évidemment, mais qui nous change largement du précédent fichier.
De passage à Bienne lors de la première édition du 3F2B, nouvelle mouture de feu le Festival du Film Français d’Helvétie, Jean-Pierre Darroussin y présentait le dernier film de Robert Guédiguian, son complice de toujours. Une belle occasion pour échanger avec ce doux rêveur, qui fait depuis quatre décennie partie de notre paysage cinématographique.
J’ai remarqué que nous sommes toute une génération de cinéphiles à vous avoir découvert en même temps qu’un cinéaste, Cédric Klapisch, dans Riens du tout, son premier long métrage. Un film dans lequel vous incarniez un vendeur attaché aux instruments de musique de son rayon au point qu’il ne peut se résoudre à s’en séparer. Avez-vous eu conscience, au moment du tournage, qu’une nouvelle génération de cinéastes très sensibles aux « petits riens qui font tout le sel de nos existences » était en train d’émerger ?
Le fait de venir du théâtre a sans doute créé chez moi une forme d’instinct naturel d’aller au contact des auteurs contemporains. Et assez curieusement, c’est surtout au cinéma que j’ai eu l’occasion de travailler avec cette génération de cinéastes désireux de parler, avant tout, de leur époque. Parler de son temps passe assez naturellement par ces fameuses petites choses banales de la vie que vous évoquez.
Qui plume la lune?
De manière encore plus significative que Riens du tout, je garde une affection particulière pour Qui plume la lune ? de Cécile Carrière, où je partageais l’affiche avec Garance Clavel, l’héroïne de Chacun cherche son chat de Klapisch justement. C’est un film très réussi, également basé sur le principe des « petits riens », qui est aujourd’hui malheureusement totalement invisible.
On me parle d’ailleurs souvent de Qui plume la lune ? et il n’est pas exagéré je crois de dire que ce métrage a changé la vie de certaines personnes, qui y ont vu une œuvre identitaire. Des personnes qui n’ont pas eu de parcours d’exceptionnel et ne sont pas dotés de caractères héroïnes. Simplement des personnes que l’on peut rencontrer au coin de la rue, qui subissent comme tout le monde des douleurs, des souffrances, sans que cela ne soit percu comme tel.
Ces « tracas de l’existence » sont parfois très durs et compliqués à traverser pour ces gens, alors que leur entourage ne perçoit pas les choses de manière autrement que banales. Ce sont des personnages qui ont à mon sens une valeur d’exemple de la banalité. Me tourner vers des auteurs sensibles à ces aspects inévitables de l’existence a toujours été instinctif pour moi.
C’est le bouquet !
En prolongement à ces œuvres centrées sur ces fameux petits tracas de l’existence qui peuvent plus souvent que de raison nous la pourrir, j’aimerais revenir sur les trois « fantaisies » que vous avez tournées sous la caméra de Jeanne Labrune : Ca ira mieux demain, C’est le bouquet ! et Cause toujours ! Est-ce que les trois longs métrages avaient été prévu, dès le départ, comme une trilogie dont vous seriez à chaque fois l’anti-héros ?
Non, ce n’était pas prévu que l’aventure de prolonge au-delà de Ca ira mieux demain. C’est la rencontre avec Richard Debuisne sur le tournage qui a tout changé pour Jeanne. Richard, qui jouait y un petit rôle dans le film, est devenu son compagnon à la ville et, assez naturellement, ils se sont mis à écrire à quatre mains et les deux autres longs métrages sont arrivés dans la foulée.
Richard Debuisne est décédé tragiquement en 2012 alors qu’il n’était âgé que de 62 ans. Jeanne a un peu changé ensuite, ce qui est assez logique. Je dois avouer que je n’ai plus trop de nouvelles d’elle ces derniers temps.
Est-ce que ces trois films ont été aussi agréables à tourner que nous en avons à les regarder ?
Ça fait partie des tournages sur lesquels j’ai eu les plus gros fous rires. Le plus incontrôlable, ce fut avec Sandrine Kiberlain sur C’est le bouquet ! On riait tellement que, malgré les multiples prises, nous n’étions vraiment plus capables de jouer. Ca duré très longtemps, au point que Jeanne a fini par s’énerver et c’était encore pire : plus elle s’énervait, plus on riait ! Ces trois « fantaisies » représentes vraiment des souvenirs de tournage exceptionnels.
Ca ira mieux demain
Robert Guédiguian est assurément le cinéaste avec lequel vous avez collaborés le plus. Sur 25 films, j’en ai recensé 20 où vous figurez au générique. Il parait même que vous aviez pensé, courant des années 1980, à arrêter le cinéma et que ce serait Guédiguian vous vous aurait persuadé de continuer.
Nous sommes amis depuis très longtemps avec Robert Guédiguian. Avant même qu’il ne commence à faire du cinéma, d’ailleurs. Aussi loin que je me souvienne, on a toujours été proches.
A un moment donné de ma carrière, je me suis un petit peu mis en retrait et je suis parti vivre dans la campagne. Avec le recul, cette mise à l’écart volontaire du métier était assez marrante, parce qu’elle m’inquiétait beaucoup. Ariane Ascaride, la compagne de Robert, également d’ailleurs.
Mon « retour » si je peux le qualifier ainsi, effectivement sous la caméra de Robert Guédiguian, a presque immédiatement été suivi par le projet de Mes meilleurs copains de Jean-Marie Poiré. Les choses se sont ensuite enchainées assez vite pour moi, à tel point que cette « parenthèse » m’est rapidement apparue comme une erreur de parcours.
Mes meilleurs copains
Est-ce pour Mes meilleurs copains que vous avez inventé ce personnage de doux rêveur, un peu lunaire, drôle, tendre, ultra-sincère, avec lequel on vous apparente encore aujourd’hui ?
Je ne peux pas dire que j’ai inventé ce personnage, puisque qu’il était vraiment écrit comme ça dans le scénario de Mes meilleurs copains. Jean-Marie Poiré cherchait un visage assez peu connu pour le personnage de Dany, l’éternel pote un peu écervelé de l’équipe.
Mon engagement sur le film tient d’ailleurs d’un merveilleux gag. Jean-Marie Poiré m’avait donné rendez-vous chez lui pour me parler du personnage. A l’issue de l’échange, j’ai tout naturellement pris congé, sans me rendre compte que j’avais oublié mon sac. Je suis donc retourné chez Jean-Marie une heure plus tard pour récupérer mes affaires. Je ne l’avais évidemment pas fait exprès, mais c’est ce qui a persuadé Poiré que Dany, c’était moi !
Un air de famille
Vous collaborez ensuite avec Jean-Pierre Bacri Agnès Jaoui sur Cuisine et dépendance et Un air de famille. Dans les deux cas d’abord sur les planches, puis devant la caméra. La symbiose était telle que nous avions tous le sentiment que vous deviendriez un élément indissociable de leur œuvre, alors que non. Pourquoi la collaboration n’a pas continué ?
Jean-Pierre Bacri et Agnès Jaoui ont toujours eu peur de se retrouver dans une troupe. C’est vraiment quelque chose qu’ils voulaient à tout prix éviter. Après ces deux collaborations, nous avons pris des chemins différents, sans pour autant qu’il y a la moindre animosité entre nous.
Nous avons ensuite gardé de très bons contacts, au point par exemple qu’on me voit furtivement dans Le goût des autres. La raison en est simple : comme nous étions restés amis, je suis passé leur dire bonjour sur le tournage et, comme j’étais là, Agnès et Jean-Pierre m’ont proposé de me glisser devant la caméra, ce que j’ai évidemment fait avec grand plaisir.
Mais pour répondre à votre question, non il n’y avait pas l’idée de continuer la collaboration. Au contraire, ils se sont toujours efforcés à intégrer de nouveaux visages dans leurs films.
Les grandes personnes
Vous êtes déjà venu à Bienne à deux reprises, dont la dernière fois en 2009 pour présenter Les grandes personnes, premier film d’Anna Novion, devenue depuis votre épouse. Il s’agissait aussi du premier rôle important d’Anaïs Demoustier, alors jeune comédienne et aujourd’hui actrice importante du cinéma hexagonal. Était-ce facile de travailler à cette « débutante » ?
Oui, absolument. On avait d’ailleurs pas du tout l’impression qu’elle débutait. Les choses ont été très faciles avec Anaïs, et ce dès la première lecture. On s’est très bien entendus pendant le tournage. Je peux même aller jusqu’à dire que nous nous bien amusés. C’est une jeune fille très spontanée.
Je ne vais pas pouvoir conclure cette entrevue sans vous parler du Poulpe, OVNI cinématographique de Guillaume Nicloux un peu passé inaperçu lors de sa sortie, qui est aujourd’hui découvert par une nouvelle franche de cinéphiles très attachés aux œuvres faisant appel à une forme d’humour trash et absurde. J’ai revu le film récemment et j’avais vraiment l’impression de voir le remake d’un film de Joël Séria tourné par David Lynch. Est-ce que le tournage était aussi borderline que le résultat final ?
Un petit peu (rires). C’était un tournage en forme de colonie de vacances assez incroyable. Il y avait une très bonne ambiance. On a vraiment tourné dans des endroits où les gens atypiques et pittoresques du coin avaient leurs habitudes.
Le tournage a duré deux mois. Nous étions toujours ensemble, même en fin de soirée où nous finissions régulièrement dans le bar pour noctambule ouvert par Gérard Lanvin, qui portait très bien son nom : le « Bar’Ouf ». C’était à La Baule, soit à une vingtaine de quelques kilomètres de Saint-Nazaire où nous tournions. Le poulpe est un projet qui n’aurait jamais pu voir le jour sans Charles Gassot, un homme à l’esprit très libre.
Le poulpe
Charles Gassot, producteur très important dans le cinéma français, qui laissait une grosse marge de manœuvre aux cinéastes ?
Absolument ! C’est vraiment quelqu’un qui a l’esprit suffisamment ouvert pour que les choses puissent se construire. Il a délaissé le cinéma depuis le début des années 2010 pour se consacrer à une ONG qu’il a créé : écoles du monde, dont la mission est de scolariser les enfants de territoires isolés et ruraux de Madagascar. Il crée aujourd’hui des écoles, comme il créait des films à l’époque. Charles Gassot est devenu un producteur de vie réelle.
En regardant votre filmographie, on constate mais que vous alternez depuis toujours rôles principaux et secondaires. C’est d’ailleurs flagrant chez Guédiguian. Vous avez aujourd’hui une assise qui vous permettrait de ne privilégier que les rôles de têtes. Or, on a vraiment le sentiment que vous préférez avoir un rôle secondaire dans un film auquel vous croyez, plutôt qu’un personnage principal dans un film moins important à vos yeux.
Vous êtes dans le juste. Ça ne me dérange absolument pas de jouer un rôle secondaire. Je n’ai aucune intention de devenir un produit. Je viens du théâtre, milieu où le metteur en scène est l’élément principal dans ma tête, l’acteur passant un petit peu au second plan.
Une femme aujourd’hui
L’acteur est indispensable à toute forme de création, mais ce n’est pas le moteur. Or, quand on choisit de ne pas uniquement accepter des rôles principaux, on arrive à éviter de devenir une marchandise. On redevient donc, un peu, un moteur de la création. En tout cas, on y participe de manière bien plus active. Autrement, on devient un produit commercial qui est avant tout un moteur à générer la capacité de produire des films. Chose que je n’ai aucunement envie de faire.
C’est marrant, parce que vous êtes quasiment le seul comédien en France qui arrive à panacher à ce point, tel un équilibriste, l’importance à l’écran de vos rôles.
Etre comédien pour moi, cela repose non pas sur le fait de devenir connu, mais sur le fait de créer des personnages. De créer une galerie de protagonistes pour des auteurs, dont le résultat à l’écran ou sur les planches serait différent si nous n’étions pas passé par là pour y mettre votre petit grain de sel personnel…
Une femme aujourd’hui de Robert Guédigian, avec Marilou Aussilloux, Grégoire Leprince-Ringuet, Jean-Pierre Darroussin, Ariane Ascaride, Gérard Meylan, Sophie Payan, France, 2h02. A l’affiche dès le 21 octobre 2026.
Commissaire de police énergique, Lise Tanquerel (Annie Girardot) renverse accidentellement Antoine Lemercier (Philippe Noiret), professeur de grec, qu’elle a connu 20 ans plus tôt à l’Université.
C’est au moment où les retrouvailles entre cette mère divorcée et le célibataire endurci prennent une tournure sérieuse qu’une série de meurtres, perpétrés à l’aide d’un poinçon marqué d’un léopard et touchant des députés, commence à défrayer la chronique…
Quand j’étais gamin, j’adorais On a volé la cuisse de Jupiter. Le côté Tintin renchéri par le tandem Girardot/Noiret, Catherine Alric (la « Catherine Deneuve sympathique » comme l’appelait ma mère) et le génial Francis Perrin, que j’ai toujours préféré à Pierre Richard (la chose s’est d’ailleurs confirmée avec le temps), auront suffi à faire de ce divertissement un de mes favoris. C’était avant la découverte, je précise, L’homme de Rio du même Philippe De Broca.
Ce que je ne savais pas à l’époque, c’est que La cuisse de Jupiter est une suite. Donc qu’il y a un « numéro 1 » avant. Premier opus qui, assez curieusement, n’était à l’époque pas tellement diffusé à la télévision. En tous les cas, beaucoup moins souvent que le second volet.
Découvert tardivement, Tendre poulet m’a tout de suite séduit. Pas tellement parce que le film fait office de détonateur à la rencontre entre Philippe Noiret et Annie Girardot, mais surtout parce que celui – qui s’appelait encore Le commissaire à de jolies menottes quelques semaines avant sa sortie – a su, malgré le fait que le long métrage reste une comédie, garder en haleine le spectateur via une enquête policière bien moins banale qu’elle n’y parait.
A mi-chemin entre le whodonit et un giallo, Tendre poulet affiche même quelques séquences franchement flippantes. Du moins quand on les découvre à un à un âge où on est encore facilement impressionnable. Bon d’accord : j’ai cette faculté pas si rare que ça de pouvoir regarder un film avec les mêmes yeux que lorsque je l’ai vu pour la première fois. Je suis pourtant convaincu que l’évocation de l’usine désaffectée Clipardi suffira à donner à chair de poule à quelques quidams au même pedigree que votre humble serviteur.
Enfin et surtout, Tendre poulet est la parfaite démonstration du jadis savoir-faire français qui, durant toute les années 1970, arrivait à produire des « films du samedi soir » consistants et attachants. Donc portés par des personnages aux larges reliefs, campés par des comédiens brillants mis au service d’une bonne histoire.
Essayez donc de trouver un semblant de pendant actuel dans le Septième Art hexagonal de divertissement. Je vous souhaite d’ores et déjà bonne chance dans vos investigations…
Où voir le film ?
Sorti une première fois en Blu-ray en 2015 chez TF1 Vidéo et épuisé depuis des années, Tendre poulet ressort aujourd’hui sous la bienveillante bannière de Rimini. Les masters et les bonus sont les mêmes que précédemment.
Quel intérêt me direz-vous ? Simplement de pouvoir à nouveau accéder à Tendre poulet sans enrichir les « promoteurs de l’occasion » jamais avares de proposer des titres épuisés à des prix prohibitifs. Comme le master d’il y a 10 ans était très bon, aucun problème n’est à signaler à l’horizon.
64%. C’est le chiffre avancé par Frances Haugen (Mikey Madison), analyste au sein de la société Facebook, suite à de recherches internes concernant le nombre de personnes ayant validé leur appartenance à des groupes extrémistes suites aux nouvelles recommandations algorithmiques de la plateforme mises en place en 2018.
Incapable de se faire entendre par sa hiérarchie, l’ingénieure pourtant engagée par la firme de Mark Zuckerberg (Jeremy Strong) au département d’intégrité civique va entrer en contact avec Jeff Horwitz (Jeremy Allen White), journaliste-reporter qui prépare une série d’articles sur les disfonctionnements du réseau social pour le Wall Street Journal…
Le film s’ouvre sur une scène malheureusement devenue banale. Interpellée pour un simple contrôle d’identité, une automobiliste refuse d’obtempérer devant les demandes insistantes des représentants de forces de l’ordre. Malgré l’assertivité des agents, la femme considère leurs demandes comme une agression, filme la scène et la met immédiatement en ligne sur les réseaux sociaux.
Passant le plus clair de son temps à débusquer ce genre de comportement en forme d’appel à la haine, Frances Haugen reconnait l’autrice de la vidéo. Elle l’a en effet croisée quelques années auparavant dans une conférence aux tenants progressistes. Comment une femme aux penchants pacifistes et très ouverte d’esprit a pu à ce point changer ?
L’introduction de The Social Reckoning ne dure que 5 minutes, mais annonce sans détour tout ce qui va suivre. Scénariste de The Social Network, Aaron Sorkis (Des hommes d’honneur, Malice, Ennemi d’Etat) se voit proposer par Sony d’écrire une suite au classique immédiat de David Fincher. Plutôt que de simplement pondre, comme c’était le cas du film original, un nouveau récit centré sur le personnage de Mark Zuckerberg, le scénariste-réalisateur adopte ici un point de vue inverse.
Avec pour matériel de bases les ouvrages respectifs de Frances Haugen et Jeff Horwitz, Sorkis met en lumière une évidence : pour lui, les réseaux sociaux, et par déclinaison Zuckerberg (puisque patron de la majeure partie d’entre eux), sont en grande partie responsables de l’état dans lequel se trouve actuellement notre société occidentale, où il semble de moins en moins évident de régler une simple peccadille autrement que par l’entremise d’actes que l’on peut sans exagération qualifier d’extrémistes.
Sur papier, l’exposé peut paraitre justement extrémiste. A la fin de la projection, on est bien obligé d’admettre que le postulat auquel nous venons d’assister – et à propos duquel il serait cruel d’en dire d’avantage – est bluffant au-delà du raisonnable, tant toute ces pourtant évidences sournoises que nous avons en permanence sous le nez se comportent exactement comme Zuckerberg le souhaite.
Pour étayer sa démonstration, Aaron Sorkis s’appuie sur une mise en scène académique et un traitement scénaristique par instant scolaire. Une partie de la critique reproche d’ailleurs ouvertement à l’auteur ce manque d’audace dans la forme. Un peu comme si nos habituels donneurs de leçon avaient zappé les nombreuses aller/venues dans le temps qui ponctuent le récit, très didactiques dans un premier temps, qui finissent par lâcher la main du spectateur sans que ce dernier ne se perde pour autant dans le récit.
C’est également oublier un peu vite qu’au-delà d’offrir une belle référence aux plus importants thrillers américain suivant une authentique enquête journalistique ayant conduit à des prises de consciences essentielles (Les Hommes du Président d’Alan J. Pakula, Révélations de Michael Mann, Spotlight de Tom McCarthy), ces œuvres essentielles ont besoin de cet encrage afin de rendre crédibles les comédiens donnant vie à l’écran aux authentiques protagonistes qu’ils incarnent.
Devant la caméra, le remplacement de Jesse Eisenberg – qui ne souhaitait pas entrer une nouvelle fois dans la peau de Zuckerberg – par Jeremy Strong, renforce à l’évidence l’impact glacial que le film aura sur le spectateur, tandis que le tandem forcément antinomique formé par Jeremy Allen White (Springsteen) et Mikey Madison (Anora) rappelle les grandes heures du thriller paranoïaque (Les 3 jours du Condor, L’affaire Pélican, Les complices).
L’académisme tempéré du film d’Aaron Sorkis renforce également le côté pédagogique du long métrage. Une œuvre aux ramifications scénaristiques suffisantes pour autant satisfaire l’afficionados du genre que l’enseignant un brin pédagogue, qui ferait bien de montrer The Social Reckoning à ses élèves, plutôt que de les obliger à s’infliger des œuvres pseudo-humaniste aussi redondantes que périssables…
The Social Reckoning d’Aaron Sorkis, avec Mikey Madison, Jeremy Allen White, Jeremy Strong, Betty Gilpin, Billy Magnussen, Bill Burr, Anna Lambe, Wunmi Mosaku, Etats-Unis, 1h52. Actuellement sur les écrans.
Ayant un frère toxicomane et un cousin membre du crime organisé, Danny Ciello (Treat Williams) fait pourtant partie du SIU, l’unité spéciale chargée de la lutte antidrogue au sein de la police de New York. Sa brigade dispose d’une grande latitude pour monter des dossiers contre les accusés. L’unité est également impliquée dans de nombreuses pratiques illégales, telles que le détournement d’argent des criminels et la fourniture de drogue volée à des informateurs.
Après un incident où il bat un junkie pour lui subtiliser sa réserve d’héroïne, Danny commence à avoir des problèmes de conscience face à son mode opératoire. Approché par les affaires internes, il accepte de participer à une enquête sur la corruption policière dans sa ville…
C’est le film maudit pas excellence. Celui qui ne passe jamais à la télévision. Celui qui, mis à part une VHS locative au début des années 1980 et un DVD paru furtivement en 2007, a totalement disparu des radars éditoriaux et hertziens. Donc par déclinaison, de la mémoire collective.
A l’inverse, Serpico, premier film de Sidney Lumet à aborder à la fois de manière frontale et dans un style proche du documentaire la corruption policière et la manière dont un membre des forces de l’ordre va trahir pour soulager sa conscience, n’en finit pas d’être cité à longueur de temps en référence comme le métrage ayant défini les codes du polar moderne américain.
Sans rechigner devant le plaisir que j’ai à revoir de temps à autre Serpico, en grande partie pour sa bande originale signée par un Mikis Theodorakis à exact opposé de ce que le compositeur grec avait pour habitude de produire à la même époque, je continue – et je ne suis d’ailleurs pas le seul – à ne pas délirer outre mesure devant ce Lumet plus célébré qu’Un après-midi de chien bien qu’objectivement inférieur.
J’avoue humblement que, jusqu’à hier, je n’avais jamais vu Prince of the City. Sans doute parce que le film est long et que l’aspect « pris sur le vif » m’avait découragé lors de ma dernière tentative lors de la sortie du film en DVD. Ca remonte donc à une petite vingtaine d’année.
Avec l’âge, mes goûts changent en même temps que la manière que j’ai d’aborder une œuvre. Ainsi, beaucoup de films longs et contemplatifs trouvent aujourd’hui grâce à mes yeux. La possibilité de visionner ce Prince de New York dans d’excellentes conditions devait suffire pour que j’y consacre mon dimanche après-midi. Bien m’en a pris.
Certes, le traitement du sujet, bien que similaire à Serpico, continue d’être déstabilisant. Aucun effet spectaculaire, aucune détonation, aucun traitement visuel particulier au New York du début des eighties que l’on devine plus que l’on ne voit. Tout est ici concentré sur les rapports authentiques entre les personnages.
Antithèse absolue des Infiltrés de Martin Scorsese, Le prince de New York affiche dont des protagonistes pris dans la tourmente de leurs actes tacites et/ou de complaisance. On ne décide pas de devenir un défenseur de la loi corrompu : on le devient par la force des choses. De même, Sidney Lumet met ici très bien en lumière les rapports intègres que conservent des amis et/ou collègues, et ce malgré la trahison d’un des leurs.
Aucune scène de règlement de compte n’est visible dans Prince of the City, la violence du milieu restera en hors champs. Le film de Sidney Lumet reste à chaque instant au plus proche de l’être humain qui, petit à petit, va se trouver confronté à la culpabilité. La trahison ici n’a donc rien d’un acte vengeur. Elle est le simple détonateur à la rédemption devant laquelle chaque personne se retrouvera confronté un jour dans son existence. Qu’il ait simplement mauvaise conscience pour une peccadille ou que l’on ait commis des actes hautement répréhensibles.
Ainsi, selon Lumet, la trahison peut être considérée comme un acte de confession au sauvetage de son âme. Certains appellent ça l’entrée en sagesse. D’autres en religion. Un grand film très injustement passé sous les radars jusqu’à aujourd’hui.
Où voir le film ?
Sorti en Blu-ray il y a quelques années chez Warner Archive sans la moindre option française, Le prince de New York est disponible depuis peu en Espagne grâce (ou à cause) du flou juridique propre au pays, tolérant des éditions tout sauf officielles bien qu’en vente libre.
L’avantage de ces éditions, outre de souvent proposer des titres indisponibles sur le marché, est d’avoir des Blu-ray généralement nantis d’une VF et des sous-titres idoines, comme c’est le cas pour le film de Lumet.
Proposé sur un disque double-couche, la présente édition utilise le même master que pour la version US : un peu trop lisse certes, mais qui permet d’enfin accéder à ce classique immédiat injustement mis sur le banc de touche depuis 45 ans.
