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KILL BILL – THE WHOLE BLOODY AFFAIR (Quentin Tarantino, 2004/2025)

Pigeon un jour, pigeon toujours. C’est en tout cas l’adage qui commence de plus en plus à coller aux basques des supporters d’éditions physiques. Editions que Flagstone défend avec grande ferveur.

Pendant que Christopher Nolan ne manque jamais une occasion souligner le fait que d’acheter un film en Blu-ray ou en UHD permet à la fois d’avoir une qualité d’image incomparable avec les plateformes de streaming (qui compressent à outrance les fichiers) et de posséder sur le long terme une œuvre (impossible d’avoir le chiffre exact des longs métrages qui disparaissent du jour au lendemain des sites de VOD, mais il est astronomique), le consommateur doit se rendre à l’évidence : il est devenu la dernière vache à lait du marché, parfois même à ses dépens.

Ainsi, l’afficionados de belles éditions voit apparaitre sur le marché, de manière de plus en plus systémique et rapprochée, de nouvelles éditions à ses films préférés. Le phénomène étant encore renchéri quand une œuvre se voir déclinée via différentes versions et/ou montages.

Le cas de Kill Bill sur territoire francophone européen est le parfait exemple de ce constat. Ainsi, tandis que Studiocanal sortait fin de l’année dernière les deux volumes du long métrage de Quentin Tarantino en 4K, la version originelle du métrage, proposée en un seul film, pointait déjà le bout de son nez aux Etats-Unis.

Affublée du sobriquet The Whole Bloody Affair, ce montage propose l’œuvre complète non plus scindée en deux parties (exigence de Miramax à l’époque de la production du film, qui craignait qu’un film de quatre heures rebute à la fois les spectateurs et les exploitants de salles), mais proposé d’une traite.

L’idée de ne pas acquérir les deux films séparés en UHD semblait donc la bonne parade afin de ne pas passer deux fois à la caisse et de découvrir ce « nouveau montage ». D’autant plus lorsqu’on apprit que Studiocanal avait réussi – on se demande bien comment ce genre de bévue peut encore arriver en 2026 – à affubler ses galettes de 2025 non pas de la VF, mais du doublage québécois des films !

Déboulé il y a quelques jours dans les bacs, cette soi-disant « version originale » de Kill Bill a donc illico atterri dans mon lecteur ce week-end, et le moins que l’on puisse dire, c’est que les mauvaises surprises sont au rendez-vous.

Cette version fleuve étant séparée par un entracte (« Intermission » dans le langage de Shakespeare), le film reste donc, en quelque sorte, coupé en deux (qui plus est exactement au même endroit). Alors oui, il n’y a plus de résumé en début de deuxième partie ni de cliffanger en fin de première (vendant au passage beaucoup trop la mèche), oui les scènes de combats de la pagode sont en couleurs et oui, la partie animée est plus longue. Cela rend-il le film meilleur ?

Au final, pas tellement. Outre le fait de sentir une forme d’unité non négligeable, façon épique, le reste n’apporte strictement rien. Pire : il ralentit artificiellement une œuvre déjà passablement longue. On passera au passage sur le générique de fin du film, d’une durée de 19 minutes (même Le Seigneur des Anneaux n’a pas réussi à faire pire), gonflant artificiellement la longueur indiquée.

Le clou de l’imposture concernant ce non-événement réside dans la qualité d’image, laissant penser à l’utilisation d’un master HD datant de la préhistoire. En regardant la chose de plus près, il apparait qu’effectivement, le montage de The Whole Bloody Affair a été réalisé à partir d’un scan intermédiaire 2K (« DI » dans le jargon), gonflé ensuite en 4.

Kill Bill en UHD, que ce soit pour les éditions séparées sorties en décembre dernier ou la présente, n’ont donc aucunement été réalisées à partir d’une véritable restauration 4K du négatif original, mais depuis un scan numérique 2K dont le seul bénéfice réside dans l’apport des technologies HDR et/ou Dolby Vision (à condition bien-sûr d’adouber ces artifices).

Ajoutez à cela une utilisation abusive du DNR (Digital Noise Reduction), réduisant sensiblement le piqué de l’image et le grain naturel de l’argentique et vous comprendrez vite que, si The Whole Bloody Affair ne relève pas de l’arnaque pure et simple, il s’agit a minima d’une tromperie sur marchandise notoire.

Tout ceci sans mettre dans la balance la qualité artistique toute discutable de Kill Bill qui, s’il nous avait bluffé il y a 20 ans par son côté clinquant, n’est en toute objectivité par le meilleur film de Tarantino. Loin de là même…

Où voir le film ?

Kill Bill – The Whole Bloody Affair est disponible chez Studiocanal en édition UHD + Blu-ray (édition simple ou coffret onéreux incluant quelques goodies parfaitement inutiles), ainsi qu’en version Blu-ray. Au vu de la qualité d’image de cette « restauration », la version HD simple est, là aussi en toute objectivité, largement suffisante.

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MUTATIONS (SLUGS/MUERTE VISCOSA, Juan Piquer Simon, 1988)

Une petite ville des Etats-Unis est le théâtre de décès étranges. Les services sanitaires envoient sur place Mike Brady, un de leurs agents, afin d’épauler le shérif local. Ce qui ne devait être qu’une enquête de routine tourne au cauchemar, les victimes ayant été partiellement dévorées. Au vu des analyses, Brady émet une hypothèse jugée farfelue : les victimes auraient été tuées par des limaces mangeuses de chair humaine…

Le nom de Juan Piquer Simon est en premier lieu associé au film Le sadique à la tronçonneuse, nanar intersidéral dont nous avions parlé avec consternation sur Flagstone, tant le métrage est une cacastrophe (oui : c’est fait exprès). Aucune raison apparente donc pour que Slugs, que le réalisateur ibérique commet 6 ans plus tard, soit meilleur. Et pourtant.

Totalement décomplexé sans pour autant tirer sur la corde au point qu’elle ne cède, Juan Piquer Simon calque son film sur maintes productions US comparables. Le tout agrémenté d’une bonne dose de second degré, histoire que le spectateur saisisse en un quart de seconde que tout ceci n’est que du cinéma bis.

Qui dit bis, dit forcément flics à la ramasse, jolies filles dénudées qui hurlent, gamins insupportables qu’on aimerait bien voir se faire dézinguer et bestioles visqueuses dégoutantes. Au rayon de la « liste de courses », Mutations fait un sang faute (oui, là aussi, c’est fait exprès).

Basé sur un roman de Shaun Hutson, auteur britannique de genre très prolifique que l’on pouvait retrouver au milieu des années 1980 dans la collection « Gore » du Fleuve Noir chère à notre camarade David Didelot, Slugs est donc le film du samedi en deuxième partie de soirée par excellence.

Shaun Hutson avait d’ailleurs donné une suite à son roman à peine une année après le premier. Donc avant la production du film de Piquer Simon. Cette séquelle, arquée sur le même principe mais au cœur d’une grande ville et dans une atmosphère plus glauque, aurait d’ailleurs pu donner une excellente adaptation cinématographique si, de bonne fortune, un studio de cinéma s’y était intéressé.

Enfin, détail à la fois curieux et amusant, on remarquera que le thème musical principal du film est le même que celui de l’inénarrable Amazon Women on the Moon (Cheeseburger Film Sandwich en français). La partition de Slugs est signée par le britannique Tim Souster (Personnel et confidentiel), tandis que celle de la jubilatoire parodie, sortie une année avant, est estampillée Ira Newborn (Un ticket pour deux, La folle journée de Ferris Bueller). Et pourtant, la BO est rigoureusement identique dans les deux cas. Alors, qui pompe qui ?

Où voir le film ?

Mutations est disponible dans la collection « Angoisses » de l’éditeur Rimini (Combo digipack Blu-ray + DVD + Livret)

Attention toutefois de ne faire la confusions avec le film Mutations de Jack Cardiff, réalisé en 1974 et également disponible dans le collection « Angoisses » de chez Rimini.

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HALLOWEEN III – LE SANG DU SORCIER (HALLOWEEN III – SEASON OF THE WITCH, Tommy Lee Wallace, 1982)

Un homme blessé, portant un masque d’Halloween à la main, est amené aux urgences après s’être effondré dans une station-service. Quelques heures plus tard, il est assassiné dans son lit d’hôpital. Intrigué, le docteur Challis (Tom Atkins), qui s’occupait du patient lors de son admission à la clinique, va tenter de remonter le jeu de piste afin d’élucider son assassinat…

Après le succès de Halloween II (1981), John Carpenter et Debra Hill sont approchés pour embrayer une nouvelle suite. Le réalisateur et sa productrice pensant à juste titre avoir fait le tour de la question Michael Myers, le tandem propose aux producteurs exécutif Mustapha Akkad, initiateur de la franchise, et Dino De Laurentiis, impliqué pour deux séquelles, de se distancer du tueur masqué.

Leur idée est simple : proposer un nouvel Halloween chaque année pour la fin octobre, mais avec des histoires totalement indépendantes. A la manière de La quatrième dimension, John Carpenter et Debra Hill envisagent donc une série de films anthologiques, permettant à différents auteurs de proposer leur propre déclinaison sur le thème de la fête païenne.

John Carpenter approche donc Nigel Kneale, auteur anglais créateur du personnage de Bernard Quatermass, ayant déjà donné naissance à quatre excellentes séries TV et trois longs métrages produits par la Hammer. L’homme semble en effet la personne idéale pour insuffler du sang neuf dans la franchise, mais également celui capable de se distancer du slasher pur.

Plus proche de l’intrigue de conspiration que d’une œuvre faisant appel aux effets visuels horrifiques, le script de Halloween III est rejeté par De Laurentiis : le producteur italien trouve l’histoire un brin trop gentillette. Exit donc Kneale, qui refusera que son nom apparaisse au générique. Malgré les modifications apportées au script par le réalisateur Tommy Lee Wallace, l’essence même de l’intrigue de ce Sang du sorcier restent clairement imputables à l’auteur anglais, l’aspect paranoïaque demeurant l’axe principal sur lequel repose le métrage.

Echec commercial cuisant lors de sa sortie, Halloween III continue, 40 ans après sa sortie, de se coltiner une mauvaise réputation alors qu’il s’agissait là de la plus clairvoyante idée concernant l’évolution de la franchise. Michael Myers fera donc son retour dès le navrant quatrième opus. Il continuera d’ailleurs à sévir à travers une dizaine d’autres longs métrages, tous plus dispensables les uns que les autres…

Film à redécouvrir urgemment pour tout amateur d’œuvres conspiratoire faisant appel au fantastique, telles que Les rescapés du futur de Richard T. Heffron ou Morts suspectes de Michael Crichton, Le sang du sorcier aura peut-être un jour droit à l’estime qu’il mérite : celle d’un petit ouvrage malin et audacieux, qui aurait peut-être connu une meilleure destinée si séparé dès le départ de la franchise Halloween…

Texte extrait du livre « Le film de minuit – 1984-1994 : une décennie de séances culte »

Où voir le film ?

Halloween III est sorti il y a quelques temps chez l’éditeur Le Chat qui fume. Le titre est épuisé chez l’éditeur mais se trouve encore, en cherchant bien, sur des sites de revente.

En import, Le sang du sorcier est disponible chez Universal (VOst uniquement), ainsi que chez Shout ! Factory (UHD et Blu-ray) via différentes éditions collector, mais sans options françaises.

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LA FILLE DE RYAN (RYAN’S DAUGHTER, David Lean, 1970)

1916, dans un petit village portuaire irlandais. Rose (Sarah Miles), la fille du patron du pub, est attirée par Charles Shaughnessy (Robert Mitchum), le maître d’école du village, veuf et son aîné de quinze ans, qu’elle épouse. Mais rapidement, la jeune fille déchante.

Malgré l’attention qu’il porte à Rose, Charles ne comble pas le vide abyssal que ressent la jeune femme. La rencontre avec Randolph Doryan (Christopher Jones), major de l’armée britannique blessé sur le front allemand venu prendre le commandement du camp anglais voisin, va précipiter le destin de Rose…

L’histoire du cinéma est jalonnée d’une micro-catégorie de bides commerciaux retentissants, dont le « scénario » est toujours le même. A savoir d’être les œuvres d’un réalisateur prestigieux venant de tourner un long métrage au retentissement tel qu’un gros studio hollywoodien, généralement pourtant prudent, accepte d’ouvrir à fond les vannes de la bourse.

William Friedkin disait à ce propos qu’après L’exorciste, il aurait pu proposer à n’importe quelle major hollywoodienne de sortir en salle un film consacré à la bar-mitsva de son petit neveu sans que personne n’ose s’y opposer. Il choisira de tourner Sorcerer, nouvelle adaptation du Salaire de la peur, qui s’avérera à l’époque un naufrage commercial sans précédent. 50 ans plus tard, tout le monde s’accorder à dire que ce film-là est une œuvre essentielle.

Si le cas de Sorcerer est évidemment une exception, il est assez facile d’en trouver d’autres. De La porte du Paradis de Michael Cimino, western crépusculaire et pharaonique ayant conduit le studio United Artists à sa faillite, au tout récent désastre financier qui accompagne Digger d’Alejandro González Iñárritu, fort est de constater que ces films-là ont toujours droit à une réévaluation tardive, démontrant une fois encore que le temps est assurément le meilleur des juges.

Sans avoir été un flop au box-office, La fille de Ryan de David Lean scellera malgré tout le destin du réalisateur de Lawrence d’Arabie qui, épuisé par les innombrables péripéties de tournage, mettra sa carrière entre parenthèse durant 15 ans (avant de revenir pour La route des Indes, son ultime long métrage).

Entre retard du tournage pour causes aussi diverses qu’ubuesques (Robert Mitchum incapable de tourner pendant 6 semaines après s’être fait péter la gueule par un irlandais du patelin, Christopher Jones, visiblement aussi perturbé que son personnage, qui fait des siennes en refusant de tourner la scène d’amour cruciale du film, pellicule bousillée par le labo durant son développement obligeant le réalisateur à retourner des séquences entières), David Lean devra également faire face à la météo capricieuse mettant à mal son sens aigu du détail.

Là où Le pont de la rivière Kwaï, Lawrence d’Arabie et Docteur Jivago sont devenus des classiques immédiat, La fille de Ryan sera oublié passé son exploitation mitigé et une presse moins enthousiaste qu’à l’accoutumée avec Lean. Beaucoup y sont allés de tentatives d’explication quant à l’oubli de la mémoire collective du film, sans jamais trouver de réelle cause autre que celle d’un scénario original, là où les trois précédents films de réalisateur britannique trouvaient leur source dans l’histoire et la littérature. 

En (re)découvrant La fille de Ryan aujourd’hui, il semble pourtant évident que ce semi-échec, ou du moins la non-perdurabilité du film, tiennent en deux points. Tout d’abord parce que David Lean et son scénariste Robert Bolt livrait une œuvre très longue bien que peu bavard, où les reliefs multiples des personnages froids juxtaposent à chaque instant la fausse simplicité d’une histoire. Ensuite car Lean n’aura jamais autant qu’ici mis d’efforts à rendre esthétiquement, grâce à l’appui du directeur de la photographie Freddie Jones, un de ces film splendides.

Lean et Bolt ne se sont jamais cachés d’avoir cherché ici à transposer l’histoire de Madame Bovary dans un contexte historique différent. Contexte qui, bien que présent et très juste par rapport aux faits, est ici plus une nuance qu’un véritable élément de construction scénaristique.

Gustave Flaubert aura mis cinq ans pour achever son chef afin d’être certain que chaque mot soit, selon ses critères, juste et à sa place. Il est clair que Lean aura mis au moins autant d’effort dans la mise en scène de La fille de Ryan tant chaque plan, chaque image, à sa raison d’être et est à la juste place. Un chef d’œuvre, sans doute.

Où voir le film ?

La non-popularité de La fille de Ryan aura pour conséquence que le film ne connaisse aucune édition Blu-ray. Nous passons donc directement d’un vieux DVD à la 4K. Si le choc est évident, on ne pourra que souligner une nouvelle fois la qualité du travail de restauration de Warner Archive, qui livre ici sans doute la plus flamboyante restauration entreprise par le studio jusqu’ici.

Alors oui : il faut impérativement pouvoir voir La fille de Ryan sur un écran commack afin d’en apprécier chaque détail. Comme ce somptueux plan d’ouverture, où l’on devine à peine Rose au sommet d’une falaise (qui renverrait presque celui de Lawrence d’Arabie, pourtant considéré comme le meilleur de l’histoire du cinéma, au rang de quelconque). S’il ne devait y avoir qu’un seul film comme preuve de l’essentialité du support physique, ce serait sans conteste celui-ci. Majestueux.

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UN SAMEDI SOIR EN PROVINCE (Jean-Michel Destang/Sébastien Sill, 1995)

Oui, encore une fois, je l’avoue. Depuis ma découverte au début des années 1990 de Strip Tease, le magazine belge qui déshabille la société, je me suis pris de passion pour la mise en lumière de losers superbes.

Sans doute, dans un premier temps, dans un but thérapeutique inavoué, qui me permettait de voir le quotidien de gens encore plus pathétiques que le mien. Donc bien avant d’admettre que, souvent, le vrai toquard n’est évidemment pas celui qui apparait à l’écran, mais bel et bien le couillon qui se poile grassement devant sa petite lucarne.

Ma passion pour le « vrai » m’a fait franchir un cap supplémentaire, le jour où je suis tombé sur une VHS de caméscope abandonnée chez Emmaüs. Ô bonheur suprême que d’entrer dans la vraie vie de vrais gens, habitant à quelques encablures de chez moi. Au point même d’avoir mené, tel un Sherlock Holmes de Temu, une solide enquête afin de retrouver des personnes dont je connaissais déjà le quotidien à travers mon tube cathodique.

Stéphanie Night Fever

Et puis vint le jour béni où, avouant sans mal ma passion voyeuriste à une vague connaissance professionnelle, j’appris l’existence d’Un samedi soir en province, documentaire de 52 minutes produit en 1995 par France télévisions, jamais rediffusé depuis. « Quoi ? Tu connais pas le concept de la barrière anti-fans instaurée par le meilleur DJ de la Chartre ? » qu’il me lance, le collègue.

Il n’en fallait évidemment pas plus pour motiver l’enclume que je suis à me mettre en quête dudit doc. Et je dois avouer que, 30 ans après, je n’en suis toujours pas revenu, tant tout ce qui avait défilé devant mes yeux, et ce malgré la qualité plus que médiocre du seul fichier déniché, était remarquable.

DJ Mathieu, Monsieur « barrière anti-fans »

Alors évidemment, DJ Mathieu, le branleur de la disco mobile Top Club (qui n’abuse pas, selon ses dires, de son statut de roi de la night pour conclure), nous expliquant que la compilation Danse Machine 5 est trop branchée pour que les bouseux du coin l’apprécient, ça envoie du lourd. Sans parler de son fameux concept de la « barrière anti-fans » (une pauvre échelle de peintre cramoisie) afin d’éviter, dixit, l’émeute derrière les platines.

Notre DJ en herbe n’est en réalité ici qu’un faire-valoir. Les vrais héros d’Un samedi soir en province s’appellent Stéphanie, Jérémie, Nadège, Valérie et Stéphane. Stéphane, ou Gazoil pour les intimes. C’est son nom de Cibiste, celui qu’il utilise dans sa R5 customisés à grand coup d’autocollants aux couleurs du Vibration, la nouvelle boite branchée du coin, et munie d’un klaxon personnalisé toujours à cracher son cri de guerre.

Entre CB et taxi, Gazoil sur les routes de l’Indre

Gazoil est conscient d’être une bonne pâte. Que ce soit avec sa copine Valérie, qui le prend un peu pour une bille, qu’à travers ces potes, qui le considère avant tout comme un taxi. Par chance, le samedi soir est là pour faire oublier au « père Gazoil », le temps de quelques heures, son quotidien guère inspirant dans un coin reculé de l’Hexagone.

Get Down Saturday Night et Je danse le Mia auraient pu être les titres emblématiques de la bande à Gazoil. DJ Mathieu en a malheureusement décidé autrement : ce sera La Danse des pompiers et Du soleil et des nana, surenchéri de la voix criarde de l’affreux jojo balancée à grands coups de réverb dans un micro, sans l’ombre d’un doute sa seule et unique vraie barrière anti-je-ne-sais-trop-quoi.

Nadège, Miss Vibration, avec l’amour de sa soirée

Il y a 15 jours, en revoyant pour le 35e fois Un samedi soir en province, je me suis demandé ce qu’était devenu ces jeunes qui ont aujourd’hui la même cinquantaine que moi. En opérant quelques recherches sommaires, je suis tombé sur une série de reportages du quotidien régional La Nouvelle République.

On y apprend, via les rares témoignages de personnes directement concernées (Olivier Vigneau alias Marco, jadis DJ au Vibration, Jean-Claude Rosia, patron du Top Club), que nos lascars vont bien, mais qu’ils ne souhaitent plus évoquer cette période de leur vie. Un peu comme si Un samedi soir en province avait un peu trop abîmé, à force d’éclats de rire gras, la sincérité de nos loustics.

Bien plus intelligents que ses détracteurs, la bande à Gazoil a décidé de nous faire un beau pied de nez par le silence. L’arroseur est arrosé en quelque sorte, et c’est bien fait pour lui. Bien fait pour moi donc.

le « Vibration », disco clinquante fixe et branchée

Où voir le doc ?

Une fois n’est pas coutume, le sujet du présent papier est visible sur un simple coup de clic. Est en effet apparu du Youtube, voilà 4 ans, une version « HD restaurée » d’Un samedi soir en province.

En réalité, il s’agit un transfert de la bande Betacam de la diffusion originale, un peu trop compressée certes, en SD évidemment, mais qui nous change largement du précédent fichier.

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TENDRE POULET (Philippe De Broca, 1977)

Commissaire de police énergique, Lise Tanquerel (Annie Girardot) renverse accidentellement Antoine Lemercier (Philippe Noiret), professeur de grec, qu’elle a connu 20 ans plus tôt à l’Université.

C’est au moment où les retrouvailles entre cette mère divorcée et le célibataire endurci prennent une tournure sérieuse qu’une série de meurtres, perpétrés à l’aide d’un poinçon marqué d’un léopard et touchant des députés, commence à défrayer la chronique…

Quand j’étais gamin, j’adorais On a volé la cuisse de Jupiter. Le côté Tintin renchéri par le tandem Girardot/Noiret, Catherine Alric (la « Catherine Deneuve sympathique » comme l’appelait ma mère) et le génial Francis Perrin, que j’ai toujours préféré à Pierre Richard (la chose s’est d’ailleurs confirmée avec le temps), auront suffi à faire de ce divertissement un de mes favoris. C’était avant la découverte, je précise, L’homme de Rio du même Philippe De Broca.

Ce que je ne savais pas à l’époque, c’est que La cuisse de Jupiter est une suite. Donc qu’il y a un « numéro 1 » avant. Premier opus qui, assez curieusement, n’était à l’époque pas tellement diffusé à la télévision. En tous les cas, beaucoup moins souvent que le second volet.

Découvert tardivement, Tendre poulet m’a tout de suite séduit. Pas tellement parce que le film fait office de détonateur à la rencontre entre Philippe Noiret et Annie Girardot, mais surtout parce que celui – qui s’appelait encore Le commissaire à de jolies menottes quelques semaines avant sa sortie – a su, malgré le fait que le long métrage reste une comédie, garder en haleine le spectateur via une enquête policière bien moins banale qu’elle n’y parait.

A mi-chemin entre le whodonit et un giallo, Tendre poulet affiche même quelques séquences franchement flippantes. Du moins quand on les découvre à un à un âge où on est encore facilement impressionnable. Bon d’accord : j’ai cette faculté pas si rare que ça de pouvoir regarder un film avec les mêmes yeux que lorsque je l’ai vu pour la première fois. Je suis pourtant convaincu que l’évocation de l’usine désaffectée Clipardi suffira à donner à chair de poule à quelques quidams au même pedigree que votre humble serviteur.

Enfin et surtout, Tendre poulet est la parfaite démonstration du jadis savoir-faire français qui, durant toute les années 1970, arrivait à produire des « films du samedi soir » consistants et attachants. Donc portés par des personnages aux larges reliefs, campés par des comédiens brillants mis au service d’une bonne histoire.

Essayez donc de trouver un semblant de pendant actuel dans le Septième Art hexagonal de divertissement. Je vous souhaite d’ores et déjà bonne chance dans vos investigations…

Où voir le film ?

Sorti une première fois en Blu-ray en 2015 chez TF1 Vidéo et épuisé depuis des années, Tendre poulet ressort aujourd’hui sous la bienveillante bannière de Rimini. Les masters et les bonus sont les mêmes que précédemment.

Quel intérêt me direz-vous ? Simplement de pouvoir à nouveau accéder à Tendre poulet sans enrichir les « promoteurs de l’occasion » jamais avares de proposer des titres épuisés à des prix prohibitifs. Comme le master d’il y a 10 ans était très bon, aucun problème n’est à signaler à l’horizon.

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LE PRINCE DE NEW YORK (PRINCE OF THE CITY, Sidney Lumet, 1981)

Ayant un frère toxicomane et un cousin membre du crime organisé, Danny Ciello (Treat Williams) fait pourtant partie du SIU, l’unité spéciale chargée de la lutte antidrogue au sein de la police de New York. Sa brigade dispose d’une grande latitude pour monter des dossiers contre les accusés. L’unité est également impliquée dans de nombreuses pratiques illégales, telles que le détournement d’argent des criminels et la fourniture de drogue volée à des informateurs.

Après un incident où il bat un junkie pour lui subtiliser sa réserve d’héroïne, Danny commence à avoir des problèmes de conscience face à son mode opératoire. Approché par les affaires internes, il accepte de participer à une enquête sur la corruption policière dans sa ville…

C’est le film maudit pas excellence. Celui qui ne passe jamais à la télévision. Celui qui, mis à part une VHS locative au début des années 1980 et un DVD paru furtivement en 2007, a totalement disparu des radars éditoriaux et hertziens. Donc par déclinaison, de la mémoire collective.

A l’inverse, Serpico, premier film de Sidney Lumet à aborder à la fois de manière frontale et dans un style proche du documentaire la corruption policière et la manière dont un membre des forces de l’ordre va trahir pour soulager sa conscience, n’en finit pas d’être cité à longueur de temps en référence comme le métrage ayant défini les codes du polar moderne américain.

Sans rechigner devant le plaisir que j’ai à revoir de temps à autre Serpico, en grande partie pour sa bande originale signée par un Mikis Theodorakis à exact opposé de ce que le compositeur grec avait pour habitude de produire à la même époque, je continue – et je ne suis d’ailleurs pas le seul – à ne pas délirer outre mesure devant ce Lumet plus célébré qu’Un après-midi de chien bien qu’objectivement inférieur.

J’avoue humblement que, jusqu’à hier, je n’avais jamais vu Prince of the City. Sans doute parce que le film est long et que l’aspect « pris sur le vif » m’avait découragé lors de ma dernière tentative lors de la sortie du film en DVD. Ca remonte donc à une petite vingtaine d’année.

Avec l’âge, mes goûts changent en même temps que la manière que j’ai d’aborder une œuvre. Ainsi, beaucoup de films longs et contemplatifs trouvent aujourd’hui grâce à mes yeux. La possibilité de visionner ce Prince de New York dans d’excellentes conditions devait suffire pour que j’y consacre mon dimanche après-midi. Bien m’en a pris.

Certes, le traitement du sujet, bien que similaire à Serpico, continue d’être déstabilisant. Aucun effet spectaculaire, aucune détonation, aucun traitement visuel particulier au New York du début des eighties que l’on devine plus que l’on ne voit. Tout est ici concentré sur les rapports authentiques entre les personnages.

Antithèse absolue des Infiltrés de Martin Scorsese, Le prince de New York affiche dont des protagonistes pris dans la tourmente de leurs actes tacites et/ou de complaisance. On ne décide pas de devenir un défenseur de la loi corrompu : on le devient par la force des choses. De même, Sidney Lumet met ici très bien en lumière les rapports intègres que conservent des amis et/ou collègues, et ce malgré la trahison d’un des leurs.

Aucune scène de règlement de compte n’est visible dans Prince of the City, la violence du milieu restera en hors champs. Le film de Sidney Lumet reste à chaque instant au plus proche de l’être humain qui, petit à petit, va se trouver confronté à la culpabilité. La trahison ici n’a donc rien d’un acte vengeur. Elle est le simple détonateur à la rédemption devant laquelle chaque personne se retrouvera confronté un jour dans son existence. Qu’il ait simplement mauvaise conscience pour une peccadille ou que l’on ait commis des actes hautement répréhensibles.

Ainsi, selon Lumet, la trahison peut être considérée comme un acte de confession au sauvetage de son âme. Certains appellent ça l’entrée en sagesse. D’autres en religion. Un grand film très injustement passé sous les radars jusqu’à aujourd’hui.

Où voir le film ?

Sorti en Blu-ray il y a quelques années chez Warner Archive sans la moindre option française, Le prince de New York est disponible depuis peu en Espagne grâce (ou à cause) du flou juridique propre au pays, tolérant des éditions tout sauf officielles bien qu’en vente libre.

L’avantage de ces éditions, outre de souvent proposer des titres indisponibles sur le marché, est d’avoir des Blu-ray généralement nantis d’une VF et des sous-titres idoines, comme c’est le cas pour le film de Lumet.

Proposé sur un disque double-couche, la présente édition utilise le même master que pour la version US : un peu trop lisse certes, mais qui permet d’enfin accéder à ce classique immédiat injustement mis sur le banc de touche depuis 45 ans.

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DEUX MÂLES POUR ALEXA (FIERAS SIN JAULA, Juan Logar, 1971)

Alexa (Rosalba Neri) accepte d’épouser Ronald Marvelling (Curd Jürgens), un richissime et vieillissant homme d’affaire, selon un pacte tacite : en entretenant son oisiveté, la jeune et jolie femme le laisse profiter à sa guise de sa jeunesse. Mais lorsque Alexa entame une relation torride avec Pietro (Juan Luis Galiardo), Marvelling prépare une vengeance très orchestrée…

Les lecteurs habitués à Flagstone le savent : je suis un cinéphage lorsqu’il s’agit de Giallo. Un peu comme ce cher Indiana Gilles avec le western. Du coup, dès qu’un nouveau thriller appartenant au « genre jaune » de la grande époque (grosso modo de 1965 à 1978) déboule chez un éditeur, je m’empresse de le visionner.

Fort est de constater qu’à force de regarder tous les Giallo possibles et imaginables, je m’emmêle un peu les pinceaux, tant certains canevas sont récurrents. Et pourtant : la patine d’époque, les décors naturels souvent somptueux, les bandes originales démentielles et, je l’avoue, les très jolies filles mieux mises en valeur que jamais suffisent souvent à me faire avaler la pilule d’une œuvre parfois moyenne.

Co-production italo-ibérique réalisée par un cinéaste espagnol mais entièrement tourné en France, Deux mâles pour Alexa avait tout pour attirer mon regard. Surtout grâce à la présence de Curd Jürgens en infame conspirateur prêt à tout pour éliminer sa jolie épouse adultère. Habité aux rôles de salopiaud, de L’espion qui m’aimait à la série teutonne Inspecteur Derrick (Si, si !), le comédien germano-autrichien semblait idéal pour incarner le mari trompé.

Face à lui Rosalba Neri, sorte de croisement parfait entre Edwige Fenech et Lea Massari, est évidemment l’élément idéal au registre « jolie fille habilement mise en avant ». Le réalisateur Juan Logar a très bien compris la chose, puisqu’il passe un temps plus que considérable focalisé sur elle, par instant même au détriment d’une intrigue qui peine quelque peu à se mettre en place.

Plutôt que de partir sur des sentiers rabattus, Deux mâles pour Alexa supprime la traditionnelle succession de meurtres à l’arme blanche en forme de whodonit pour se transformer en huis-clos claustrophobesque, façon Saw, premier du nom.

Avec malice, Juan Logar parsème son métrage de séquences de flashback et d’autres tournées dans un noir/blanc très stylisé, donnant à ce métrage une patine toute particulière, renforcée par les décors naturels hexagonaux, entre Paris et Vattelot-sur-Mer, commune portuaire situé à mi-chemin entre Etratat (on voit quelques plans furtifs de ce haut-lieu touristique dans le film) et Yport, dont la plage des Vaucottes devient le centre névralgique de la mise en valeur de Dame Rosalba.

Peut-être moins indispensables que certains désormais classiques du genre, sublimé par une chanson entêtante signée Pietro Puccioni, Deux mâles pour Alexa n’en demeure pas moins passionnant pour tout aficionados de Giallo « à rebrousse poils ».

Où voir le film ?

Deux mâles pour Alexa est disponible en combo Blu-ray+DVD chez Artus Films. Provenant d’un master italien, la copie présente quelques défauts, sans doute présents sur le négatif endommagé. Ceci n’entache aucunement le plaisir grâce à un étalonnage et une colorimétrie parfaite.

Comme de coutume désormais chez Artus, vous trouverez en bonus une vaste intervention du désormais incontournable duo Emmanuel La Gagne/Sébastien Gayraud centrée sur le Giallo ibérique.

La frénésie de ces papes du bis prend une fois de plus le pas sur la forme. En se coupant régulièrement la parole et en cherchant parfois de longues secondes les références qu’il souhaite partager, le tandem laisse par instant le spectateur sur le bord de la route. Mais l’exaltation du duo est tellement enthousiaste qu’on passera sur le côté légèrement brouillon de l’ensemble.

La sublime musique entêtante de Piero Puccioni :

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OPERATION FRERE CADET (O.K. CONNERY, Alberto De Martino, 1967)

Un agent important des services secrets de sa Majesté est assassiné à bord de son avion par une voiture télécommandée bourrée d’explosifs. En l’absence de leur meilleur élément, Miss Maxwell (Lois Maxwell) et le Commandant Cunningham (Bernard Lee) se décident à faire appel à son frère (Neil Connery).

Professeur Es Bullshit, grand spécialiste de l’hypnose doté d’une capacité hors norme pour lire sur les lèvres et accessoirement champion de tir à l’arc, ce Robin des Bois en blouse blanche semble l’homme idéal pour venir à bout d’une organisation criminelle prête à tout pour dominer le monde…

Dans le genre « concept à la con », on a rarement vu pire (ou mieux, c’est selon). Imaginez un peu : M et Moneypenny sont tellement dans la merde en l’absence de James Bond qu’il se décident non pas à faire appel à un membre de sa famille, mais au frère de l’acteur incarnant l’agent secret ! Oui je sais : dit comme ça, on a presque l’impression d’être dans le 114ème multiverse d’une production Marvel foireuse.

Tourné au moment où Sean Connery décide de raccrocher le costard de l’agent 007 alors que le Vieux Continent est en pleine vague « Eurospy », O.K. Connery aurait pu, si géré par autre chose que des incapables, devenir à la fois une parodie de haut vol doublé d’un très solide divertissement mémorable.

Mais en tentant simplement d’aligner un copié/collé scénaristique de la recette miracle instaurée par Harry Salzman et Albert Broccoli et en engageant une grosse poignée de comédiens vu dans les films officiels de la franchise (Daniela Bianchi, Bernard Lee, Lois Maxwell, Adolfo Celli, Anthony Dawson), Alberto De Martino en a oublié qu’un liant était nécessaire pour que la sauce prenne.

Comme ingrédient miracle, l’artisan transalpin dégaine sa grande idée : Neil Connery, effectivement frère cadet de Sean à la ville, plâtrier de métier, qui représente une ressemblance physique évidente avec son frangin, mais dont l’absence totale de charisme est flagrante à chaque plan du film.

Pourtant, à y regarder de très près et malgré des moyens limités, Opération Frère Cadet (aussi exploité sous le titre Opération Double 007) est visuellement très convaincant et le casting (mention spéciale à Daniela Bianchi, bien plus à l’aise ici quand dans Bons Baisers de Russie) fait très bien le job (sauf notre enclume centrale évidemment).

Aussi rythmé qu’un épisode de Maigret avec Jean Richard, O.K. Connery peut heureusement compter sur quelques éléments réjouissants, tels qu’une bande originale certes pas essentielles mais très bien balancée d’Ennio Morricone, ainsi qu’une bonne poignée de seconds couteaux parfaits en salopiauds de service. Frau Lotte Krayendorf n’a en effet rien à envie à cette chère Rosa Klebb…

Où voir le film ?

O.K. Connery est disponible en Blu-ray en Allemagne sous le titre Operation Kleiner Bruder. Pas de VF à l’horizon ni de sous-titres idoines. La simplicité du scénario, le prix du disque et le fait qu’il s’agisse à ce jour de la seule copie disponible à travers le globe devrait suffire à faire passer à la caisse les complétistes en matière d’Eurospy.

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NEW YORK CONNECTION – FORT BRONX (NIGHT OF THE JUGGLER, Sidney J. Furie/Robert Butler, 1979)

Il y a une dizaine d’année, un bruit persistant avait circulé indiquant que la Fox travaillait à un projet de reboot à la franchise Die Hard, via un opus dont l’action se situerait à la fin des seventies. Connu sous les noms de codes Die Hard 0 et Die Hard 1979, ce projet proposait de suivre une enquête de John McClane alors que l’homme n’était qu’un jeune officier de police new yorkais. Donc avec un nouveau visage devant la caméra.

Loin d’être dénuée de sens, cette idée avait fait son bonhomme de chemin dans nos esprits. Ceci avant que le projet ne disparaisse tout bonnement des plannings du studio, laissant sur leur fin tous ceux qui allaient dorénavant devoir se contenter de fantasmer cette œuvre, subitement devenue imaginaire.

A la découverte de Night of the Juggler, film commencé par Sidney J. Furie – avant que le cinéaste confirmé ne quitte le tournage – et terminé à la hâte par Robert Butler – qui avait jusque-là surtout sévi au rayon des « live action movies » pour la firme Disney – le doute n’est pas possible : Die Hard 1979 existe… depuis 1979 !

Tourné dans les rues de la Grande Pomme a une époque où « la ville qui ne dort jamais » était encore un asile à ciel ouvert, New York Connection – Fort Bronx (titre français valise sans doute là pour semer la confusion avec l’excellent Fort Apache The Bronx avec Paul Newman, sorti à la même époque) à un côté brut, sec et expéditif qui n’est pas sans rappeler Une journée en enfer, troisième opus de la saga dans lequel, justement, John McTiernan s’amusait à casser les codes que lui-même avait instaurés avec un métrage répondant quasiment en tous points au film de Furie/Butler.

A une exception près : tandis que Die Hard with a vengeance recréait, du moins partiellement, une ambiance hostile à certaines rues de New York, Night of the Juggler a réellement été tourné au moment où la ville était en pleine mutation. Les quartiers en forme de terrain vague et les peep-shows visibles dans le film sont donc tout sauf des décors de cinéma (tout comme la présence de Sharon Mitchell au générique).

En allant plus loin, on peut également trouver des similitudes troublantes entre le présent ouvrage et un autre ayant marqué un tournant dans la perception du film d’action au milieu des années 1980, qui quittait enfin de registre « monomaniaque gros bras » pour devenir moins sérieux.

Visez un peu : Night of the Juggler raconte comme par hasard l’histoire du kidnapping d’une fillette frisée et affublée d’une salopette. Mais plutôt que d’attendre une potentielle action de la police, son baroudeur de père – « retraité » des forces de l’ordre – court-circuite le bon sens et fait tout péter pour la retrouver. Pour se faire, il va spontanément être aidé par une jeune et jolie jeune femme issue d’une minorité ethnique. Ca ne vous dit rien ?

Si doute encore il y a, enfonçons un peu le clou : la scène finale, en forme d’affrontement musclé entre le héros et le vilain de service, se déroule dans un sous-sol bourré de tuyaux crachant leur vapeur de toute part. Vous y êtes ? Oui oui :  vous venez de mettre à jour l’un des plus évidents cas de plagiat – pourtant resté sous couvert jusqu’à aujourd’hui – de l’histoire du cinéma.

Quand on sait que le film en question, bien plus célébré que cet excellent New York Connection, a vu sa potentielle séquelle devenir par la force des choses Piège de cristal, un hasard ou une même coïncidence ne peuvent objectivement plus faire partie de l’équation.

Où voir le film ?

New York Juggler – Fort Bronx est disponible en combo limité Blu-ray+DVD-livret chez Sidonis. Si une partie des suppléments présent sur les éditions 4K anglo-saxonne ont disparu (en même temps que le disque UHD), on mentionnera en sus une intervention d’Olivier Père, toujours aussi neurasthénique dans la forme, mais dont le propos est, comme très souvent, passionnant et à la portée de tous.

La question musicale à 1000 balles

Outre une bande originale signée par Artie Kane, compositeur ayant surtout œuvré pour la télévision, New York Connection est rythmé au son d’une bombe disco de très haut vol, que l’on entend à deux reprises durant le film.

Or, chose totalement incroyable et pourtant vraie, Night Juggler (puisque cela doit en toute logique être le titre du morceau) n’est pas crédité au générique de fin du long métrage ! Même l’application Shazam, pourtant redoutable, y perd son latin. Inutile donc d’espérer trouver cette tuerie sur un quelconque disque. Une vraie énigme.